大地艺术：艺术与自然最完美的结合

大地艺术，是一种始发于美国，在20世纪60年代末和20世纪70年代早期的一种艺术运动，其表现为大地景观和艺术作品本身不可分割的联系，同时这也是一种在自然界创作的艺术形式，创作材料多直接取自自然环境。将土地、山谷、江海、公共建筑作为画布，创作出令人惊叹的作品，拉近人类与自然的距离，让世人重新关注、回归大自然。

01. 克里斯托夫妇

提起大地艺术就不得不提克里斯托夫妇，他们在长达57年的生涯中不断重新定义装置和大地艺术的尺度，创作出一系列突破既有门类、展现无限可能的作品。他们利用布料、条带、塑料袋等普通的廉价材料进行创作，通过出售创作草图和建筑模型来筹集制作经费，让不切实际的构想成为现实。

《包围岛屿》是他们在1980年-1983年受法国印象派画家莫奈的油画《睡莲》的启发而创作的。作品用超过60万平方米的粉红色布料，覆盖佛罗里达的11座岛屿，从高空俯瞰，犹如漂浮在碧海上的11朵睡莲，成为奇景。作品落成不到两周，就引来数以万计的观光客，有120人乘坐了充气船参观了这件作品，成为了佛罗里达文化历史中不可磨灭的一座地标。

横跨塞纳河、穿过西提岛西端的新桥是巴黎最古老的桥，也是巴黎最具历史意义的纪念碑之一。克里斯托夫妇想把它从建筑物、从艺术家的创作灵感变成一件艺术品，于是便提出了用塑料布把整座桥体包裹起来的计划，在巴黎最古老的地段营造出一幕奇异而虚幻不实的摩登景象。

1970年-1972年的《峡谷垂帘》是克里斯托夫妇另一件代表作，他们将重达3.6吨的橘黄色尼龙布，垂挂在美国科罗拉多来福峡谷相距1200英尺的两个山体斜坡夹峙的U形峡谷间，巨大的橘黄色帘幕横拉在山野峡谷之间，颇具壮丽之美。

《伞的狂想曲》这项艺术工程从洛杉矶的山谷一直绵延到东京的佐藤河谷，总长度达12英里，覆盖面积达75平方英里，有两千多人参与了此项目，耗资2600万美元。一共立起了3100顶巨伞，每顶伞就有5米高，重200多公斤，其规模已经超越了人类艺术史上任何单一作品在物理空间上存在着的纪录。

02. Gelitin

2000年，组建于1978年的维也纳艺术团队Gelitin开始构思一个有趣且有意义的艺术计划。他们设想在山上躺着一只巨人老婆婆编织的巨型兔，经过的人们则渺小得像一朵小雏菊，仿佛是跌入了小人国的格列佛，由此开始一段新世界的探险。他们将脑海中的兔拟了画像，并取名Rosa Hase。(Hase德语为兔子)。

经过5年的创作、缝制和选址，这只用环保材料制作的可降解的粉色大兔终于诞生，慵懒地躺在意大利山脉一隅晒太阳。

由于体形巨大，卫星图能拍到她的存在。在谷歌地图输入她的经纬度，能精确定位。创作者Gelitin亦鼓励大家与她亲密接触，感受她的治愈力，感受周遭环境的包容性，同时感受自己的渺小。这只粉兔瞬间成了当地热门打卡点。世界各地的游客慕名而来。

Gelitin团队曾预计她将陪伴我们20年，在2025年降解完全，融入泥土。但从网上各地游客的留言来看，这只曾带给我们幻想和温暖的大兔子似乎提前回归自然了。

03. 沃尔特·德·玛利亚

沃尔特·德·玛丽亚是美国艺术家、雕塑家、插画家和作曲家，在纽约市生活和工作。沃尔特·德·玛丽亚 的艺术实践与1960 年代的极简艺术、观念艺术和大地艺术有关。1960 年代的早期雕塑受到达达主义、至上主义和建构主义的影响。这种影响导致德玛利亚使用简单的几何形状和工业制造的材料，如不锈钢和铝——这些材料也是极简艺术的特征。

闪电原野这件作品位于新墨西哥州西部偏远高原沙漠地区的一件大地艺术作品。是沃尔特·德·玛利亚(Walter de Maria)的知名作品。

作品由400根不锈钢金属杆组成，分布面积达数千平方公里，每根长6.27米，按杆距67.05米的标准，摆成宽列为16根，长列为25根的矩形排列。钢杯之间的距离非常大，如果观众身处其间，必须竭力寻找下一根，他们也只有在一根一根的寻找跨越中，才会对作品巨大张力产生切身的体验。

在6至9月经常有雷电的季节，这些钢杯就会变成原野中的电极，它们在接引雷电时，它们的角色就是天地之间最佳的纽带。但是它们这时是危险的，甚至有威胁的意味，所以观众必须远远地离开它们，才能欣赏这天地际会时的壮观景象。但对“闪电场”的欣赏并不仅限于雷电；天气晴朗时走进这片充满规律而又不受约束的领域，或是在那儿看日出日落时太阳贴近金属杆尖头的景象也会是难忘的体验。

这件作品名叫“钻地球一千米”是由艺术家Walter De Maria 在1977年创造的留在德国城市卡塞尔的弗里德里希公园永久大地雕塑。

沃尔特·德·玛利亚创作《钻地球一千米》的作品时，搬来一部完全达到专业指标的钻机，每天都向地球的深处钻下去。仅仅一个不可能观看的作品就耗资100万马克的这个行为无法得到公众的宽恕。人们用各种方式向文献展组织者抗议。《钻地球一千米》使这届展览变得热闹非凡。作为可视的结果是在地面上留下了五厘米直径的横切面。

04. 迈克尔·海泽

迈克尔·海泽是一位土地艺术家，专门研究大型和特定地点的雕塑。海泽（Heizer）主要在画廊和博物馆的传统艺术空间范围之外工作，从大小，质量，过程方面重新定义了雕塑。他是20世纪陆地艺术或土方工程运动的先驱，他因使用土方设备制成的雕塑和环境结构而广受认可，并于1967年开始在美国西部创作。

作为1960年代纽约的年轻艺术家，海瑟（Heizer）开始制作“置换绘画”，即用浅色调和深色调的几何画布。1967年冬天，在内华达山脉上空，他挖掘了地球上的几个裂缝，将纽约的画作调整为三个维度。这些“非雕塑”或“反雕塑”成为了新的雕塑词汇的基础，因为海泽开始使用土地及其移出土地作为他的媒介。

05. 李明浩

李明浩是来自韩国的摄影师和大学摄影教授，《Tree》是他近十年来持续创作的一个摄影项目。在这个系列作品中，他大费周章，为野外的树木搭建了一块白色的背景，看起来就像是为树木拍摄的肖像。

每一张看似简洁明了的照片背后都要耗费巨大的人力物力。与大多数多产的摄影师相比，李明浩每年只创作三到四部作品。

初步的研究和探索占据了一半以上的工作量，但在照片中却是看不到的。从选址到画布的搭建，再到后期制作，整个过程不仅漫长，而且需要足够的预算。

李明浩希望通过这个系列的作品来探索对自然、艺术与现实的理解。李明浩说，之所以选择树木作为拍摄对象，是因为大自然中随机选择的一棵树不具有社会意义。

早期的人像作品，摄影师创造性地搭建影棚来实现更好的打光和获得干净的背景以便照片能更多聚焦在模特上，然而李明浩的这组树的作品似乎在多重讽刺我们的摄影史、甚至绘画史，仿佛使得举起相机拍照这一行为都充满闹剧性。

艺术家把自己的作品深深地融入到绘画、雕塑等传统艺术形式中。但对于李明浩来说，他更着迷于如何在不受太多干涉的情况下捕捉瞬间。

06. 李廷乐

李廷乐（Lee Jeong Lok）1971年出生于韩国光州，1996年在光州大学学习设计，1998年在弘益大学完成研究生学习。 他的创作主要围绕人们的感知展开，他认为光可以给人一种近乎幽灵般的神秘感。

作品中宁静的自然景观和广阔的户外全景均由发光的几何形状、韩语文字和蝴蝶形状点缀而成。他在向下长大沉迷于大自然的风光，所以当他成为艺术家之后，他的摄影项目全部在家乡的稻田、湖泊、河滩、竹林山间拍摄完成的。Lee 用各种道具妆点自然中的草木河流山丘，之后用各种灯光为画面渲染出奇幻的色彩，从而创造出一幅幅仙境般的神奇风景画面。

艺术家李廷乐，利用灵动的微光创造出绚丽迷幻的摄影作品。用各种道具妆点自然中的草木河流山丘，之后用各种灯光为画面渲染出奇幻的色彩。

他把注意力集中在郁郁葱葱的绿色森林和竹林，以及充满雾的湖畔风景。他认为自己是一个虔诚的人，总是试图在他的照片中表达理性的深厚感。

光影涂鸦通常也被人们称为光绘画、光涂鸦和光电涂鸦，是一种在夜晚或黑暗的房间移手持式光源或相机产生光成图效果的摄影技术。在大多数情况下，光源并不一定要出现在作品中。依靠光线移动制造出妙不可言的形象，光电涂鸦艺术由此诞生。这项诞生于街头的表演艺术，现在已经在世界范围内掀起热潮。

这些照片均在夜间拍摄，画面里五彩缤纷的灯光形式十分引人注目，它们有的在整个画面里翩翩起舞，有的环绕在山边的悬崖上，有的游荡在海平面上方。在Lee Jeong Lok 的三个系列作品中，即《彩蝶》、《岛上的生命之树》和《解码景观》中，都展示了艺术家仔细和精确的创作过程，无论是在现实拍摄还是在数字处理方面都是如此。

透过自然景观中伫立的光影文字，以闪烁变换的光圈表现出韩文复杂的元素。长曝光拍摄这些装置艺术，使影像中的字样环绕一圈迷蒙光澜，而亮点不停闪烁的用意，也许象征着吐露出每一字句的同时，人们运作呼吸系统的模样，一吸一吐使生命不停的循环维持。

自然场景搭配流动的字符摄影作品，把纯朴的自然环境描绘成了充满神秘色彩的画面。

07. 安迪·戈德德沃斯

安迪·戈德沃斯（Andy Goldsworthy）是一位英国艺术家，以其特定地点的装置而闻名，涉及天然材料和时间的流逝。作为雕塑家和摄影师，Goldsworthy从岩石，冰块，树叶或树枝上雕刻出自己的装置，意识到景观会发生变化，然后通过摄影仔细记录了与大自然的短暂合作。他解释说：“这与艺术无关。” “这与生活息息相关，需要了解生活中的许多事情不会持续下去。”

在与自然的合作中，安迪·戈德沃斯可以进行任何处理：树枝，树叶，石头，雪和冰，芦苇和荆棘，创建特定于场地的装置，探索这些材料的精髓。在这个过程中，他首先必须在心理，身体和情感上适应他的环境。

08.蒂姆·诺尔斯

蒂姆·诺尔斯使用精密的仪器和费时的等待，创作出独立于自己双手的作品。他发明了这种有趣的实验性的创作程序，将随机性和不可预测性引入到他的作品中，展现了人类与自然的关系。

他将笔固定在各种树枝的尖端，将纸放在它们下面，让风的运动来决定作品最终的构图。他将作品的控制权完全交给了自然。就像签名一样，每一幅画都揭示了每棵树的不同特性和品质。

这些笔的痕迹记录了树木的自然运动，记录了树木的静止。每幅画都展示了不同树的枝叶在微风中摇曳时的特征：柔软的柳树，云雾一样的漫散；松弛的橡木，流畅而诗意的线条；硬挺的龙云杉，短暂的浓墨点戳；僵硬的山楂，略带神经质的集中徘徊。